사진: Courtesy Naturhistorisches Museum

미술사의 조각상인 높이가 4인치가 조금 넘는 이 작은 조각상은 1908년 오스트리아에서 발견되었습니다. 그것이 어떤 기능을 했는지는 아무도 모르지만, 추측은 다산의 여신부터 자위 보조물까지 다양했습니다. 일부 학자들은 이 그림이 여성이 그린 자화상일 수도 있다고 주장합니다. 그것은 구석기 시대의 많은 유물 중에서 가장 유명합니다.

사진: Courtesy CC/Wiki Media/Philip Pikart

이 초상화는 고대 이집트 역사상 가장 논란이 많은 파라오인 아케나텐(Akhenaten)이 건설한 수도인 아마르나(Amarna)의 폐허에서 1912년 처음 발굴된 이후 여성의 아름다움을 상징해 왔습니다. 그의 여왕 네페르티티의 삶은 신비스럽습니다. 그녀는 아케나톤이 죽은 후 한동안 파라오로 통치했거나 소년왕 투탕카멘의 공동 섭정으로 통치했을 가능성이 더 높습니다. 일부 이집트학자는 그녀가 실제로 Tut의 어머니라고 믿습니다. 회반죽으로 코팅된 이 석회암 흉상은 Akhenaten의 궁정 조각가인 Thutmose의 작품으로 생각됩니다.

사진: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

1974년에 발견된 병마용은 기원전 210년에 사망한 중국 최초의 황제 시황의 무덤 근처 3개의 거대한 구덩이에 묻혀 있는 거대한 점토 조각상입니다. 사후 세계에서 그를 보호하기 위해 군대는 8,000명 이상의 군인과 670마리의 말, 130대의 전차를 보유하고 있는 것으로 추정됩니다. 실제 높이는 군대 계급에 따라 다르지만 각각은 실물 크기입니다.

사진: Courtesy CC/Wiki Media/LivioAndronico

아마도 고대 로마 시대의 가장 유명한 조각품일 것입니다.라오콘과 그의 아들들원래는 1506년에 로마에서 발굴되어 바티칸으로 옮겨져 오늘날까지 그곳에 보관되어 있습니다. 트로이 목마의 계략을 폭로하려는 라오콘의 시도에 대한 보복으로 바다의 신 포세이돈이 보낸 바다뱀에 의해 트로이 목마 사제와 그의 아들들이 살해당했다는 신화에 바탕을 두고 있다. 원래 티투스 황제의 궁전에 설치된 이 실물 크기의 비유적인 그룹은 로도스 섬 출신의 그리스 조각가 세 명이 제작한 것으로 인간의 고통에 대한 연구로서 타의 추종을 불허합니다.

사진: Courtesy CC/Wikimedia/Livioandronico2013

미술사 전체에서 가장 상징적인 작품 중 하나인 미켈란젤로의 다비드상은 구약성서에서 가져온 인물 그룹을 사용해 피렌체의 대성당인 두오모의 지지대를 장식하려는 대규모 프로젝트에서 시작되었습니다. 그만큼데이비드하나였으며 실제로 1464년 Agostino di Duccio에 의해 시작되었습니다. 다음 2년에 걸쳐 아고스티노는 카라라의 유명한 채석장에서 깎아낸 거대한 대리석 덩어리의 일부를 1466년에 멈추는 데 성공했습니다. (이유는 아무도 모릅니다.) 또 다른 예술가가 부족한 부분을 메웠지만 그도 역시 간략하게 작업했습니다. 대리석은 1501년 미켈란젤로가 다시 조각하기 시작할 때까지 그 후 25년 동안 그대로 유지되었습니다. 당시 그는 26세였습니다. 완성되었을 때 다비드상은 무게가 6톤에 달해 대성당 지붕까지 들어올릴 수 없었습니다. 대신 피렌체 시청사인 베키오 궁전 입구 바로 바깥에 전시되었습니다. 전성기 르네상스 양식의 가장 순수한 정수 중 하나인 이 인물은 피렌체 대중에게 즉시 반대 세력에 맞서는 도시 국가의 저항을 상징하는 상징으로 받아들여졌습니다. 1873년에는데이비드아카데미아 미술관으로 옮겨졌고, 원래 위치에 복제품이 설치되었습니다.

사진: Courtesy CC/Wiki Media/Alvesgaspar

전성기 로마 바로크 양식의 창시자로 알려진 잔 로렌조 베르니니(Gian Lorenzo Bernini)는 산타 마리아 델라 비토리아 교회(Church of Santa Maria della Vittoria) 예배당을 위해 이 걸작을 만들었습니다. 바로크 양식은 가톨릭 교회가 17세기 유럽 전역에 휩싸인 개신교의 흐름을 막으려 했던 반종교개혁과 불가분의 관계가 있었습니다. 베르니니의 작품과 같은 예술 작품은 교황의 교리를 재확인하기 위한 프로그램의 일부였으며, 종교적 장면에 극적인 이야기를 불어넣는 베르니니의 천재성이 이곳에서 잘 활용되었습니다.엑스터시적절한 예입니다. 주제는 스페인 카르멜 수녀이자 신비주의자인 아빌라의 성 테레사로, 천사와의 만남에 관해 글을 쓴 장면입니다. 천사가 그녀의 심장에 화살을 꽂으려는 순간이 묘사되어 있습니다.엑스터시수녀의 오르가즘 표현과 두 인물을 감싸고 있는 몸부림치는 천에서 가장 분명하게 드러나는 에로틱한 배음은 틀림없습니다. 건축가이자 예술가인 베르니니는 대리석, 치장벽토, 페인트를 사용해 예배당의 배경도 디자인했습니다.

사진: 메트로폴리탄 미술관/플레처 펀드 제공

이탈리아 예술가 안토니오 카노바(1757~1822)는 18세기 최고의 조각가로 평가됩니다. 그의 작품은 그리스 신화의 영웅 페르세우스를 대리석으로 표현한 것에서 볼 수 있듯이 신고전주의 스타일의 전형을 보여줍니다. Canova는 실제로 두 가지 버전의 작품을 만들었습니다. 하나는 로마의 바티칸에 있고 다른 하나는 메트로폴리탄 미술관의 유럽 조각 법원에 있습니다.

사진: 메트로폴리탄 미술관

인상주의 거장 에드가 드가(Edgar Degas)는 화가로 가장 잘 알려져 있지만 조각 작업도 하면서 그의 작품 중 가장 급진적인 작품을 탄생시켰습니다. 드가 패션열네 살짜리 꼬마 댄서그러나 드가가 자신의 동명 인물에게 실제 발레 의상(보디스, 투투, 슬리퍼로 완성)과 실제 머리카락 가발을 입혔다는 사실은 센세이션을 일으켰습니다.춤추는 사람1881년 파리에서 열린 제6회 인상파 전시회에 데뷔했다. Degas는 소녀의 나머지 특징과 일치하도록 대부분의 장식을 왁스로 덮기로 결정했지만 투투와 머리를 묶는 리본을 그대로 유지하여 그 모습을 발견된 물건의 첫 번째 사례 중 하나로 만들었습니다. 미술.춤추는 사람Degas가 평생 동안 전시한 유일한 조각품이었습니다. 그의 죽음 이후, 그의 작업실에서는 약 156개의 사례가 더 이상 발견되지 않았습니다.

사진: 필라델피아 미술관 제공

대부분의 사람들은 위대한 프랑스 조각가 오귀스트 로댕을 다음과 연관시킵니다.사상가, 영국과 프랑스 사이의 백년 전쟁(1337-1453) 사건을 기념하는 이 앙상블은 조각사에서 더 중요합니다. 칼레(Calais) 시에 공원 건설을 의뢰받았습니다(1346년 영국군이 1년 동안 포위 공격을 가한 곳은 6명의 마을 장로가 인구를 구하는 대가로 처형에 나섰을 때 해제되었습니다).버거스로댕은 당시 기념물의 전형적인 형식을 피했습니다. 인물이 고립되거나 높은 받침대 위에 피라미드로 쌓여 있는 대신, 로댕은 실물 크기의 대상을 관객과 같은 높이로 땅 위에 직접 조립했습니다. 사실주의를 향한 이러한 급진적인 움직임은 일반적으로 그러한 야외 작업에 수반되는 영웅적인 대우와 함께 깨졌습니다. 와 함께버거스, 로댕은 현대 조각을 향한 첫 걸음을 내디뎠습니다.

사진: CC/Flickr/Wally Gobetz 제공

1912년에 피카소는 20세기 예술에 큰 영향을 미칠 작품의 판지 모형을 만들었습니다. MoMA 컬렉션에서도 피카소가 회화와 콜라주에서 자주 탐구했던 주제인 기타를 그렸는데, 여러 면에서기타콜라주의 잘라내기 및 붙여넣기 기술을 2차원에서 3차원으로 옮겼습니다. 평면적인 형태를 조합하여 깊이와 볼륨을 갖춘 다면적인 형태를 만들어낸 큐비즘에서도 마찬가지였습니다. 피카소의 혁신은 단단한 덩어리로 조각품을 조각하고 모델링하는 전통적인 방식을 피한 것입니다. 대신에,기타마치 구조물처럼 묶여 있었습니다. 이 아이디어는 러시아 구성주의에서 미니멀리즘 및 그 이상으로 반향을 일으켰습니다. 만든지 2년만에기타골판지에서 피카소는 잘라낸 주석으로 이 버전을 만들었습니다.

사진: 메트로폴리탄 미술관

급진적인 시작부터 파시스트의 최종 화신까지 이탈리아 미래주의는 세계를 충격에 빠뜨렸지만, 이 작품의 주요 조명 중 하나인 움베르토 보치오니(Umberto Boccioni)가 만든 이 조각품만큼 이 운동의 순수한 정신 착란을 보여주는 작품은 없습니다. 화가로 시작한 Boccioni는 1913년 파리를 여행하고 Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon, Alexander Archipenko와 같은 당시 여러 아방가르드 조각가들의 스튜디오를 견학한 후 3차원 작업으로 전환했습니다. Boccioni는 자신들의 아이디어를 이 역동적인 걸작으로 합성했는데, 이 작품은 Boccioni가 묘사한 대로 움직임의 "합성 연속성"에 설정된 성큼성큼 걷는 모습을 묘사합니다. 이 작품은 원래 석고로 제작되었으며, 1916년 제1차 세계 대전 중 이탈리아 포병 연대의 일원으로 예술가가 사망한 후인 1931년까지 친숙한 청동 버전으로 주조되지 않았습니다.

사진: Courtesy CC/Flickr/Steve Guttman NYC

루마니아에서 태어난 브랑쿠시는 20세기 초 모더니즘의 가장 중요한 조각가 중 한 명이자 전체 조각사에서 가장 중요한 인물 중 한 명입니다. 일종의 원형 미니멀리스트인 브랑쿠시는 자연에서 형태를 취하여 이를 추상적인 표현으로 간소화했습니다. 그의 스타일은 생생한 기하학적 패턴과 양식화된 모티프가 특징인 고국의 민속 예술의 영향을 받았습니다. 그는 또한 오브제와 베이스를 구별하지 않고 어떤 경우에는 그것들을 상호 교환 가능한 구성 요소로 취급했습니다. 이는 조각 전통과의 결정적인 단절을 나타내는 접근 방식입니다. 이 상징적인 작품은 1910년 파리에서 만난 헝가리 미술 학생이자 그의 모델이자 연인인 마르기트 포가니(Margit Pogány)의 초상화입니다. 첫 번째 버전은 대리석으로 조각되었고, 이어서 이 청동을 만든 석고 사본이 이어졌습니다. 석고 자체는 1913년 뉴욕의 전설적인 Armory Show에서 전시되었으며, 그곳에서 비평가들은 석고를 조롱하고 비난했습니다. 그러나 그것은 또한 쇼에서 가장 많이 재현된 작품이기도 했습니다. 브랑쿠시는 다양한 버전의 작품을 작업했습니다.Mlle 포가니약 20년 동안.

사진: 현대미술관 제공

자전거 바퀴뒤샹의 혁명적인 레디메이드 중 첫 작품으로 여겨진다. 그러나 그가 파리 스튜디오에서 이 작품을 완성했을 때 그는 그것을 무엇이라고 불러야 할지 전혀 몰랐습니다. 뒤샹은 나중에 이렇게 말했습니다. “자전거 바퀴를 주방 의자에 고정하고 그것이 돌아가는 것을 지켜보는 행복한 생각이 떠올랐습니다. 뒤샹이 레디메이드라는 용어를 생각해 내기까지는 1915년 뉴욕을 여행하고 뉴욕에서 생산되는 공장에서 생산된 제품의 방대한 생산량을 접해야 했습니다. 더 중요한 것은, 그는 산업 시대에 전통적인 수공예 방식으로 예술 작품을 만드는 것이 무의미해 보인다는 것을 깨닫기 시작했다는 것입니다. 그는 널리 이용 가능한 제조 품목이 그 일을 할 수 있는데 왜 귀찮게 생각했는지 설명했습니다. 뒤샹에게는 작품이 어떻게 만들어졌는지보다 작품 이면의 아이디어가 더 중요했습니다. 아마도 개념 미술의 첫 번째 실제 사례인 이 개념은 앞으로 미술 역사를 완전히 변화시킬 것입니다. 일반 가정용 물건과 매우 비슷하지만 원래는자전거 바퀴살아남지 못했습니다. 이 버전은 실제로 1951년에 제작된 복제품입니다.

사진: 휘트니 미술관, © 2019 칼더 재단, 뉴욕/아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕

휘트니 미술관 영구 소장품 중 사랑받는 작품으로,칼더의 서커스알렉산더 칼더(Alexander Calder, 1898-1976)가 20세기 조각을 형성하는 데 도움을 준 예술가로서 가져온 장난스러운 본질을 증류합니다.서커스작가가 파리에 있는 동안 제작된 는 그의 매달린 "모빌"보다 덜 추상적이었지만 그 나름의 방식으로 운동적이었습니다. 주로 철사와 나무로 만들어졌으며,서커스칼더는 곡예사, 검 삼키기, 사자 조련사 등을 묘사하는 다양한 인물 주위를 마치 신과 같은 무대 감독처럼 돌아다니는 즉흥 공연의 중심 역할을 했습니다.

사진: J. 폴 게티 박물관 제공

화가이자 태피스트리 디자이너이자 조각가인 프랑스 예술가 Aristide Maillol(1861~1944)은 전통적인 그리스-로마 조각상에 유선형의 20세기 스핀을 적용한 현대 신고전주의 작가로 가장 잘 묘사될 수 있습니다. 그는 또한 급진적인 보수주의자로 묘사될 수도 있지만, 피카소와 같은 동시대의 아방가르드 예술가들도 제1차 세계 대전 이후 신고전주의 스타일을 적용한 작품을 제작했다는 사실을 기억해야 합니다. 마이롤의 주제는 여성 누드였습니다.굴, 그는 피사체의 물질적 질량과 그녀가 우주에 떠 있는 것처럼 보이는 방식 사이에 대조를 만들어냈습니다. 즉, 완고한 육체성과 순간적인 존재감의 균형을 맞추는 것입니다.

사진: CC/Flickr/C-Monster 제공

다양한 매체로 작업하는 일본 예술가 쿠사마는 1957년 뉴욕으로 건너와 1972년 일본으로 돌아왔습니다. 그 사이 그녀는 팝 아트, 미니멀리즘을 비롯한 다양한 기반에 예술을 접목한 다운타운 현장의 주요 인물로 자리매김했습니다. 및 공연 예술. 여성의 섹슈얼리티를 자주 언급한 여성 예술가로서 그녀는 페미니스트 미술의 선구자이기도 했다. Kusama의 작품은 종종 환각을 유발하는 패턴과 형태의 반복, 환각, 강박 장애 등 특정 심리적 상태에 뿌리를 둔 성향이 특징입니다. 그녀는 어린 시절부터 고통받았습니다. 구수마의 예술과 삶의 이러한 모든 측면은 이 작품에 반영되어 있습니다. 이 작품에는 겉천을 씌운 평범한 안락의자가 불안할 정도로 꿰매어진 천으로 만든 남근 돌기의 전염병 같은 돌기에 포함되어 있습니다.

사진: 휘트니 미술관, 뉴욕, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society(ARS), 뉴욕

이름만으로 알려진 마리솔 에스코바르(1930~2016)는 파리에서 베네수엘라 부모 사이에서 태어났습니다. 예술가로서 그녀는 팝아트(Pop Art)와 나중에 옵아트(Op Art)와 연관되었지만, 문체적으로는 두 그룹 모두에 속하지 않았습니다. 대신, 그녀는 성 역할, 유명인 및 부에 대한 페미니스트 풍자를 의미하는 비유적인 장면을 만들었습니다. ~ 안에여자와 개그녀는 여성을 대상화하고 남성이 부과한 여성성에 대한 기준을 사용하여 여성이 따르도록 강요하는 방식을 취합니다.

사진: CC/Flickr/Rocor 제공

브릴로 상자(Brillo Box)는 아마도 워홀이 60년대 중반에 만든 일련의 조각 작품 중 가장 잘 알려진 작품일 것입니다. 이 작품은 대중 문화에 대한 그의 조사를 3차원으로 효과적으로 끌어냈습니다. 워홀이 자신의 스튜디오인 팩토리(Factory)라는 이름에 걸맞게 예술가는 일종의 조립 라인에서 작업하기 위해 목수를 고용하여 하인즈 케첩, 켈로그 콘플레이크, 캠벨 수프 등 다양한 제품을 담은 상자 모양의 나무 상자를 못으로 못질하는 일을 했습니다. 브릴로 비누 패드. 그런 다음 각 상자에 원본과 일치하는 색상(Brillo의 경우 흰색)을 칠한 후 실크스크린으로 제품 이름과 로고를 추가했습니다. 여러 개로 제작된 상자는 종종 큰 더미로 표시되어 어떤 갤러리에 있던지 효과적으로 창고의 고문화적 복제물로 전환했습니다. 그들의 모양과 연속 생산은 아마도 당시 초기 미니멀리스트 스타일에 대한 고개를 끄덕이거나 패러디했을 것입니다. 하지만 진짜 포인트는브릴로 박스실제와 매우 유사하다는 점은 제조품과 예술가 스튜디오의 작품 사이에 실질적인 차이가 없음을 암시함으로써 예술적 관습을 전복시키는 방법입니다.

사진: Courtesy CC/Flickr/Esther Westerveld

도널드 저드(Donald Judd)의 이름은 모더니즘의 합리주의적 긴장을 본질적인 것만으로 정제한 60년대 중반 운동인 미니멀 아트(Minimal Art)의 동의어입니다. Judd에게 조각은 공간에서 작품의 구체적인 존재를 표현하는 것을 의미했습니다. 이 아이디어는 "특정 오브제"라는 용어로 설명되었으며, 다른 미니멀리스트들이 이를 수용한 반면 Judd는 상자를 그의 시그니처 형태로 채택하여 아이디어를 가장 순수하게 표현했다고 합니다. 워홀처럼 그도 산업 제조에서 빌린 재료와 방법을 사용하여 반복 단위로 제작했습니다. 워홀의 수프 캔이나 마릴린과는 달리 Judd의 예술은 그 자체 외에는 아무것도 언급하지 않습니다. 그의 "스택"은 그의 가장 잘 알려진 작품 중 하나입니다. 각각은 아연 도금 판금으로 만들어진 동일하고 얕은 상자 그룹으로 구성되며, 벽에서 돌출되어 균일한 간격의 요소 기둥을 만듭니다. 그러나 화가로 시작한 Judd는 각 상자의 전면에 적용된 녹색 색조의 자동차 차체 래커에서 볼 수 있듯이 형태만큼이나 색상과 질감에도 관심이 있었습니다. Judd의 색상과 소재의 상호작용은 다음과 같습니다.제목 없음(스택)추상적인 절대주의를 부드럽게 만드는 까다로운 우아함.

사진: CC/Flickr/Rocor 제공

Benglis와 마찬가지로 Hesse는 틀림없이 페미니즘 프리즘을 통해 포스트미니멀리즘을 걸러낸 여성 예술가였습니다. 어렸을 때 나치 독일에서 탈출한 유대인인 그녀는 유기적 형태를 탐구하면서 산업용 유리 섬유, 라텍스, 밧줄로 피부나 살, 성기 및 기타 신체 부위를 연상시키는 조각을 만들었습니다. 그녀의 배경을 고려할 때, 이 작품과 같은 작품에서 트라우마나 불안의 저류를 찾는 것은 유혹적입니다.

사진: 현대미술관 제공

Judd와 Flavin에 이어 미니멀리즘의 깔끔한 선 미학에서 출발한 예술가 그룹이 탄생했습니다. 포스트미니멀리스트 세대의 일부인 Richard Serra는 특정 물체의 개념을 스테로이드에 적용하여 그 규모와 무게를 크게 확대하고 중력의 법칙을 아이디어에 통합했습니다. 그는 강철이나 납판, 그리고 수톤에 달하는 파이프를 사용해 위태로운 균형을 맞추는 행위를 했는데, 이는 작품에 위협적인 느낌을 주는 효과가 있었습니다. (두 차례에 걸쳐 Serra 조각을 설치한 리거는 작품이 우연히 무너지면서 사망하거나 불구가 되었습니다.) 최근 수십 년 동안 Serra의 작품은 곡선의 세련미를 채택하여 엄청난 인기를 얻었지만 초기에는 One Ton Prop(하우스)처럼 작동합니다. of Cards)는 네 개의 납판이 서로 기대어 있는 작품으로 그의 고민을 잔인할 정도로 직접적으로 전달했다.

사진: Courtesy CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

1960년대와 1970년대의 일반적인 반문화 경향에 따라 예술가들은 토공사와 같은 근본적으로 새로운 예술 형식을 개발하면서 갤러리 세계의 상업주의에 반발하기 시작했습니다. 대지 예술이라고도 알려진 이 장르의 선두 인물은 로버트 스미스슨(1938~1973)으로, 그는 마이클 하이저(Michael Heizer), 월터 드 마리아(Walter De Maria), 제임스 터럴(James Turrel)과 같은 예술가들과 함께 미국 서부의 사막으로 모험을 떠나 기념비적인 작품을 만들었습니다. 주변 환경과 협력하여 행동했습니다. 이러한 장소 특정적 접근 방식은 흔히 풍경에서 직접 가져온 재료를 사용했습니다. 스미스슨의 경우도 마찬가지다.나선형 부두, 호수 북동쪽 해안의 Rozel Point에서 유타의 그레이트 솔트 호수로 돌출되어 있습니다. 현장에서 추출한 진흙, 소금 결정, 현무암으로 만들어졌으며,나선형 부두 대책1,500 x 15피트. 수십 년 동안 호수 밑에 잠겨 있다가 2000년대 초 가뭄으로 인해 다시 표면으로 떠올랐습니다. 2017년에는나선형 부두유타의 공식 작품으로 선정되었습니다.

사진: Courtesy CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

프랑스 출신 작가의 시그니처 작품,거미부르주아(1911~2010)가 이미 80대였던 1990년대 중반에 탄생했다. 그것은 기념비적인 일부를 포함하여 다양한 규모의 다양한 버전으로 존재합니다.거미태피스트리 복원자인 예술가의 어머니에 대한 찬사를 의미합니다 (따라서 거미류의 거미줄 회전 성향에 대한 암시).

셔터스톡

1994년 명망 높은 터너상(Turner Prize)을 수상한 Antony Gormley는 영국에서 가장 유명한 현대 조각가 중 한 명이지만, 규모와 스타일의 다양한 변형을 기반으로 하는 독특한 구상 예술 작품으로도 전 세계적으로 알려져 있습니다. 대부분의 경우 동일한 템플릿에 아티스트 자신의 신체를 캐스팅합니다. 영국 북동부의 게이츠헤드 마을 근처에 위치한 이 거대한 날개 달린 기념물의 경우도 그렇습니다. 주요 고속도로를 따라 위치하며,천사높이가 66피트까지 솟아오르고 날개 끝에서 날개 끝까지 너비가 177피트에 달합니다. Gormley에 따르면 이 작품은 영국의 산업 과거(조각품은 산업 혁명의 중심지인 영국의 석탄 국가에 위치함)와 산업화 이후 미래 사이의 일종의 상징적 표식을 의미합니다.

출처: CC/Flickr/Richard Howe

구부러진 타원형 모양 때문에 시카고 사람들은 "The Bean"이라는 애칭으로 불렀습니다.클라우드 게이트아니쉬 카푸어(Anish Kapoor)가 세컨드 시티(Second City)의 밀레니엄 공원(Millennium Park)을 위한 공공 예술 중심 작품인 는 미술품이자 건축물로 일요일 산책객과 공원을 방문하는 다른 방문객들에게 인스타그램에 올릴 수 있는 아치형 통로를 제공합니다. 거울 강철로 제작되었으며,클라우드 게이트의 펀하우스 반사율과 대규모 규모로 인해 Kapoor의 가장 잘 알려진 작품이 되었습니다.

아티스트와 Greene Naftali(뉴욕) 제공

레이첼 해리슨(Rachel Harrison)의 작품은 완벽한 형식주의와 겉보기에 추상적인 요소에 정치적인 의미를 포함한 다양한 의미를 부여하는 재주를 결합합니다. 그녀는 기념비성과 그에 수반되는 남성적 특권에 대해 맹렬하게 질문합니다. 해리슨은 스티로폼 블록이나 슬라브를 쌓고 배열한 후 시멘트와 회화적 장식을 결합하여 덮음으로써 조각품의 대부분을 만듭니다. 맨 위에 있는 체리는 단독으로 또는 다른 것과 결합하여 발견된 일종의 개체입니다. 대표적인 예가 길쭉하고 페인트가 튀는 형태 위에 있는 이 마네킹입니다. 망토를 입고 에이브러햄 링컨의 가면을 거꾸로 쓴 이 작품은 고대세계의 정복자가 광대빛 바위 위에 우뚝 서 있는 모습을 연상시키며 역사위인론을 제시하고 있다..